Sobre las formas de ver la vida: La vida soñada de los Ángeles

La vida soñada de los Ángeles. Esta vez los dejo con un film exquisito, sumamente interesante y delicioso. Pues debo admitir que mientras lo apreciaba exaltó mis sentidos, ahí sentado en mi sofá no fue otra cosa que la vida misma enseñándome sus formas. Es eso que el arte te deja, en este caso no es otro que el del séptimo arte.

La película nos cuenta la historia de dos mujeres jóvenes. Una es Isa, una joven de veinte años que realiza pequeños trabajos, nunca los mismos y nunca por mucho tiempo. Y en su camino se cruza con Marie, también solitaria pero salvaje, rebelde contra su condición social. Los caracteres de ambas las diferencia notablemente: Isa tiene una visión más optimista de la vida, mientras que Marie es una chica más crispada. A pesar de ser totalmente diferentes, Isa y Marie entablan una profunda amistad.

Marie cuida un apartamento y le permite a Isa vivir con ella. El apartamento está vacío pues los propietarios, una señora y su hija, se encuentran en estado de coma después de un accidente vehicular. Durante el trascurso podemos ver en ellas dos polos opuestos, mientras Marie espera grandes sueños para ella misma, a la vez que nunca es feliz con su vida. Isa, por otra parte se ajusta a los cambios y mantiene puestos de trabajo para sostenerse, siempre con una sonrisa que la caracteriza.

Ambas conviven juntas, mientras Isa va descubriendo el pasado de una joven que vivía antes en su piso, Marie se enamora de un hombre que la utiliza a su antojo. Pero la trama nos hace ver al parecer que cada aun a su modo luchan por salir adelante y conseguir prosperar en la sociedad. Aunque esto al final no será así.

Durante el trascurso de la trama vamos viendo que la relación entre Marie e Isa se va volviendo cruda e inestable. Ambas tratan de encontrar algo que les falta, una definición de sus deseos, una forma de romper la frialdad con la que conviven. Y podemos ver a una Isa entrar en el apartamento como si este fuera la representación de la propia Marie: un lugar que no es suyo, algo temporal que está más cerca de la muerte que de la vida, en la que todos los objetos hacen referencia a dos personas en coma.

Y así se ve como Marie se va vaciando y quedando en soledad, empezando a vivir el fin de sus puntos de conexión con la realidad. Aunque Isa trata de hacer lo posible por ayudarla, nada parece hacerla reaccionar. Es así que uno de los temas fundamentales abordados en la película hace referencia a la situación de precariedad laboral en la que se encuentra la juventud, la inestabilidad propia de la edad no es una buena aliada cuando a esta inestabilidad se le agregan factores como la continua vivencia y constatación de que nada va a cambiar y de que la injusticia social de la que se es objeto, debido a su condición social, mina en lo más profundo inmovilizando o neutralizando posibilidades de acceso a otras realidades menos duras.

Isa se adentra a la vida de la niña internada y la visita continuamente en el hospital, pues la madre de la niña ya ha fallecido días antes. La película nos habla a través de estos pasajes sobre la vida en toda su plenitud, es lo que hace a esta película un abridor de ojos. Pues ahonda en las relaciones y la condición humana en una forma sutil pero notable.

Hay casos en que uno puede cuestionar la esencia misma de la vida y pueden llegar a preguntarse miles de cosas. Una actuación muy realista, pues las actrices añaden esa credibilidad escénica que solo el buen cine nos regala. Uno al final va asociando a los personajes desde el principio y las casi dos horas de proyección pasan como la vida misma. Bon appétit!!

"Luz Silenciosa" cuando los silencios nos embargan

“Luz Silenciosa”. Este fin de semana que paso volví a ver “Luz Silenciosa” y particularmente es muy atractiva con trama inquietante. Aquí les dejo con la crítica gracias a la revista Bohemio y al buen amigo y crítico de cine Paco Spelucin que escribió en la misma sobre ella. La revista la clasifica como la mejor película del 2008 estrenada en Perú, como sabrán son pocas de las buenas películas que se estrenan aquí, así que recomiendo la vean.

por: Paco Spelucin. La película cuenta la historia del mundo, de la vida, del ser humano y su entorno, de las pasiones que encierra un hombre y una mujer, de los sonidos que envuelven a las historias fantásticas de amor, de padres e hijos, del campo bañado por un brillante resplandor, eterno, mental, pacífico, narrativo y descriptivo.

Luz silenciosa es obra del mexicano Carlos Reygadas. Un tipo bajo, con la barba crecida y un poco descuidada, con sonrisa fraterna y un dejo mexicano que se le nota a leguas.

Mientras lo entrevistaba para un blog de cine (También los cinerastas empezaron pequeños), me daba cuenta de su honesta humildad y de su gran personalidad, difícil de encontrar en un gran director. La primera pregunta que le hice fue el por qué del nombre: Luz silenciosa. Me dijo que él intuía los nombres de sus películas. Y luego me explicó que fue básicamente porque el filme tiene mucha luz.

“Es una película que no tiene efectos de luz. No se usa la luz como un elemento narrativo sino que la luz realmente es esencial, está en todas partes, desbordando, es pura. No hay claroscuros, ni luces indirectas. Y como que siento que a través de la luz pasa mucha fuerza, mucha energía, pero siempre en silencio, es una energía que no arranca cosas, que no avasalla, que entra en silencio”, en pocas palabras, Carlos me explicó la filosofía fotográfica de su película.

La historia de este director es exitosa. Ésta es su tercera película. Las primeras (Japón de 2002 y Batalla en el cielo de 2005) han sido premiadas en los festivales de cine más importantes del mundo (en Cannes, Huelva, Habana, Rio de Janeiro, Buenos Aires, entre otros). Sin lugar a dudas estamos ante el latino más renombrado en este momento y su última película, es una obra de arte.

Esta película fue filmada en la provincia de Chihuahua, México, pero cuenta la historia en una comunidad Menonita. Es una comunidad agrícola tradicional -en México son más de 100.000- que tiene un sistema de educación propio, vive sin energía eléctrica ni teléfono, pero acepta los autos y la medicina científica.

Esta comunidad de origen europeo habla una variante del holandés llamada “plautdietsch” y de ahí el título original de la película: “Stellet Licht”.

Sobre la película puedo decir que contiene mucha influencia de Robert Bresson, uno de los directores de cine de la nueva ola francesa, y Andrei Tarkovski, director ruso que experimentó con el tiempo- espacio de manera excepcional.

Luz silenciosa es una película de traición, infidelidad y la lucha por sobrevivir a ella sin morir en el intento. Un hombre de familia busca placeres sexuales y pasionales en otra mujer. La esposa engañada sabe del suceso tormentoso y muere del terrible dolor mental y sicológico. Pero un milagro llega a nuestros ojos mientras la están velando.

La contemplación de la naturaleza acompaña esta historia viva y descarnada. Reygadas se caracterizaba por mostrar escenas explícitas de sexo, sin embargo, ésta película es menos expuesta y más metódica. Sin exageraciones, sin temores y sin rencores. Una película que narre y describa a una comunidad religiosa justo en el momento en que se está cometiendo una acción indecorosa, y que salga bien librado de ella, es respetable.

El honor está impuesto. La felicidad y la muerte, la infidelidad y el amor son parejas disparejas que encienden el calor y la luz en la pantalla. Una luminosidad envidiable. La luz del sol, entrando por nuestros poros, como si nos quemara.

Lo que perdura es el sentimiento y la reflexión. La impermanencia de las cosas. La naturaleza cambiando de noche a día y de día a noche. Algo sucesivo con conexiones inversamente proporcionales. Una mezcla de pasión y engaño que entra a nuestro subconsciente. Perdurando en el tiempo como algo convexo. Puro y limpio.

Una película llena de metáfora. De simbología implícita. De fe religiosa complaciente y adorable. Actores frenando el frenesí de la exaltación histriónica. Simulando una vida dentro de otra. Como si todo fuera un cuento dentro de otro. Una galaxia extraña, que se parece a la nuestra sólo que incrementada a mil por ciento.

Los que llevamos un: Shakespeare In Love

Shakespeare In Love. En este film se reúne toda la ternura y emotividad de una de las pasiones más universales del hombre el amor, sin tapujos, sin coacciones y templarios que endurezcan y nublen la esencia en la que esta película nos trasporta.

El suceso de los hechos se desarrolla en una época de renacimiento y barroco (Londres 1593), donde el teatro Isabelino es lo más resaltante. Al norte de Inglaterra habita un famoso actor y productor de obras de la vieja Inglaterra Richard Birdage, poseedor del teatro el “El Telón”. Al igual que Richard, Philip Henslowe que es su más cercano competidor, es poseedor también de un escenario teatral “La Rosa”, que pasa por un problema de inversión para levantar obras.

Los hechos se desarrollan en torno a un sin fin de avatares, conflictos, desilusiones, anhelos y amores de un joven inmerso en el circulo de literario William Shakespeare que en sus comienzos como escritor es poco reconocido por la sociedad de escritores de aquél entonces.

William no encuentra la esencia, la pasión que logre sacar todo su ingenio de escritor que lo convirtió en uno de los más importantes de la literatura mundial y el más prestigioso de la literatura inglesa. Es en el transcurso de esa búsqueda y de forma fortuita en una fiesta de la clase noble de Inglaterra, conoce a su doncella, a su musa inspiradora, ese soplo que causo en él el despertar innato de sus pensamientos y pasiones.

En sus arrebatos logra entablar diálogo con ella (Viola de Lesseps). Visitándola posteriormente a escondidas se escabulle entre la maleza del jardín para verla. Es a partir de ese momento que Viola se enamora perdidamente del escritor, lo que la lleva a introducirse en la realización de la obra cumbre de William. Infiltrándose como actor (vestida de hombre) nadie se percataría de su presencia logrando estar más cerca de él y sentir la belleza poética de Shekespeare, esa ternura con que escribía sus obras y las cartas que le remitía.

El toque de romanticismo en la trama de la obra combina casi de forma perfecta con el amor, el rencor, la muerte y las deliberan cías de dos jóvenes que desafían cualquier adversidad para estar juntos, pasando por encima las formalidades, los protocolos y las limitadas formas de expresar la libertad de los sentimientos en aquellos tiempos donde la sociedad era bastante reservada. Vemos estas consideraciones mencionadas muy bien enlazadas, pues a partir del descubrimiento de Viola como Tomas Kent (nombre que adopto como actor) se da un círculo afectuoso entre ambos, desencadenando sus explosivas pasiones.

Para el momento cumbre del día de la presentación de la obra teatral, donde ella no participara por estar a punto de casarse con Lord Wessex. El telón había sido elevado y las trompetas anunciaban el desarrollo de una obra que cautivaría a todos los presentes incluyendo a la reina y a su vez logrando a tal magnitud que al abandonar sus asientos comprendieron desde otra perspectiva el valor del amor asimismo la póstuma caída de la restricción de mujeres actoras en los escenarios de la época.

La libertad de una nación por medio de la no violencia: Gandhi

Ganghi. Volvemos otra vez con lo bueno del séptimo arte, luego de un receso impuesto por algunos detalles suscitados, regreso a colgar varios de los últimos escritos de cine que me salieron. En esta oportunidad una joya del cine “Gandhi”.

Por medio de esta película veremos cómo Gandhi consigue mediante la no violencia, la independencia de la India del Imperio Británico. La película se inicia cuando Gandhi, joven abogado hindú recién llegado de Inglaterra se instala en África del Sur, como primera imagen se ve que en su viaje en un tren de Durban a Pretoria a mitad de camino un hombre blanco irrumpe en su compartimiento y lo obliga a que se vaya al vagón de equipajes lugar reservado para los negros, a pesar que portaba su billete de primera, de nada le sirvió, la policía se encargo de expulsarlo del tren en plena noche.

Veremos cómo ante una agresión sufrida en carne propia decide luchar en contra de cualquier forma de racismo y colonialismo con las armas de la no violencia. Ganghi organiza una manifestación no violenta a la que sigue la construcción de una comuna en la que todos trabajaban por igual. Entonces conoce a Charlie cura cristiano quien le ofrece su ayuda y apoyo.

Más adelante Ganghi da una conferencia en la que informa sobre la nueva ley del gobernador totalmente injusta hacia los hombres de color y convence a éstos de que no reaccionen violentamente, luego pasan a una manifestación que como resultado tiene el encarcelamiento de todos los manifestantes. Aun así, Gandhi consigue hacer que el general a cargo de la cárcel le deje ir a la India.

Ya en Bombay Gandhi desembarca y se le acoge con una gran ovación. Tras este recibimiento es invitado a una conferencia en la que los principales políticos hindús y musulmanes de la India pretenden conseguir la independencia por la fuerza razón por la cual querían que Gandhi se quitara de en medio. Durante un tiempo Gandhi va viajando por la India para conocerla, acompañado de su mujer y su amigo el Charlie.

En una reunión que mantiene Gandhi con los políticos antes mencionados, se acuerda que se hará un día de plegaria, en el que toda la población se dedique nada más a rezar. También consiguen publicarlos en los periódicos de mayor tirada. Tras varios acontecimientos Gandhi es arrestado de nuevo en el transcurso de una marcha. Ya en la cárcel recibe la visita de uno de los políticos y éste le dice que el pueblo ha reaccionado violentamente ante su detención y que lo dejarán en libertad si consigue que paren las revueltas y la violencia.

Por su parte la armada inglesa responde asesinando cruelmente a una multitud que asistía a una conferencia. Gandhi visita el lugar de los hechos y decide hablar con los ingleses. Estos le advierten que la Independencia no es su único problema, sino también la coexistencia de musulmanes e hindúes, a lo que Gandhi responde diciendo que practicarán la no violencia y la no cooperación.

Como penitencia por tanta violencia Gandhi decide comenzar una huelga de hambre, con la que consigue se cese las manifestaciones violentas. En otra parte las autoridades inglesas nuevamente detienen a Gandhi por sedición y en el juicio lo condenan a 6 años de cárcel aunque el juez le diera la razón al final. Tras salir de la cárcel, Gandhi organiza la famosa Marcha de la Sal.

Escenas más adelante Gandhi es invitado a una reunión de Consejo para la independencia de la India, en Londres, pero no se consigue ningún resultado. Después Gandhi y su mujer van a la cárcel la cual muere de una trombosis. Tras este triste suceso, el Virrey de Inglaterra anuncia la Independencia de la India.

Con la independencia los musulmanes se sienten dominados y proponen hacer una nación aparte llamada Pakistán. Al final vemos el nacimiento de dos estados, un hecho que impacta es como en la frontera se suceden enfrentamientos violentos entre ambas poblaciones lo que desencadena en masacres y violencias, lo que da por resultado que Gandhi pierda el control político, esto lo lleva a anunciar y ejecutar su segunda huelga de hambre.

Tras varios días de enfrentamientos el pueblo reacciona prometiendo a Gandhi que no habrá más violencia por lo que Gandhi termina su ayuno, pero siente que ha fracasado porque su idea inicial era una India unida. Luego de su recuperación oportuna al salir al jardín para dirigirse a Pakistán, Gandhi es asesinado a sangre fría por un fanático contrario.

Una fábula de nuestro tiempo: Avatar, de James Cameron

¿Ya vieron AVATAR? Según la crítica mundial una de las mejores películas estrenadas en el 2009 y para muchos la nueva star wars de nuestros tiempos, de las nuevas generaciones, lo cierto es que este film ha causado mucho furor a nivel mundial, no solo por sus efectos sino también por su elaborada y sofisticada historia.

Pues bien a eso iba a la historia, los dejo con esta reseña que en mi caso es a modo de crítica y análisis sobre AVATAR, un texto muy interesante que nos lleva por comparaciones y destapes de grueso calibre, haciéndonos ver este film de una manera distinta, bueno en mi caso lo fue, este párrafo nos dice mucho, porque como sabemos Hollywood no es meramente Hollywood y ya: “Avatar es, también, un film político, incluso abiertamente panfletario en una época como la nuestra, que en general abomina entrar en el terreno resbaladizo de la crítica antimperialista (no deja de ser sorprendente que Avatar proceda de Hollywood, cuyo objetivo casi siempre ha consistido en “borrar” lo político o convertirlo en pura propaganda)”.
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Dos maneras de enfrentarse a Avatar
Una de las muchas virtudes del film de Cameron es la de haber suscitado, cuanto menos, dos posturas críticas frente al mismo, ambas paradigmáticas de dos maneras de ver y entender el cine en el comienzo de la segunda década del siglo XXI. La primera, a la que podríamos definir como cinéfilo-fascinada, no hace sino quedarse estupefacta ante el despliegue tecnológico del largometraje como un fin en sí mismo. Algunos cronistas de la película creen encontrarse ante un hito histórico, similar a la irrupción del sonoro, que va a cambiar nuestra manera de percibir las imágenes en movimiento. En un reciente artículo publicado en El País (24 de enero de 2010), Toni García se hacía eco de esas impresiones al citar la reflexión de un espectador apasionado: “Avatar es la primera película del resto de tu vida”.

Frente a esta alienación de una mirada que debería ser crítica y peca de un exceso de proximidad se erige otra que, poniendo por delante un supuesto rigor analítico y cultural, no ha hecho sino ningunear la obra de Cameron por el irritante procedimiento de mirarla por encima del hombro desde una no-del-todo-confesada superioridad intelectual. Así, Román Gubern considera que nos hallamos ante “una falsa novedad tecnoestética” (Cahiers du Cinéma España, N.º 30, p.67. Madrid, enero de 2010) que “no nos hace olvidar los trucos predigitales del viejo y entrañable King Kong (1933) en blanco y negro con maquetas y transparencias”.

No insistiremos en el matiz equívocamente nostálgico de una manifestación como ésta, contradictorio lapsus de un historiador y teórico que siempre ha estado en la vanguardia del pensamiento crítico sobre la cultura de masas, pero en contrapartida sí es de recibo que citemos, aunque sólo sea de pasada, la brillante intuición de Vicente Vergara en la valenciana Cartelera Turia, cuando titula su reseña “Little Big Horn” y pone en paralelo la resistencia armada del pueblo Na’vi ante el invasor terrícola con la de las tribus sioux y cheyenes frente al general Custer. Y es que, más allá de someras descalificaciones (“ingenuidad”, “simpleza”, “infantilismo”), nadie ha subrayado lo suficiente que, en sustancia, el film de James Cameron es una rotunda fábula antimperialista que llega muy bien al público gracias precisamente a los acreditados y eficaces mecanismos del cine de género.

Un film de género en estado puro
Cualquier film de género que se precie utiliza protocolos narrativos siempre idénticos para transmitir información al espectador, en todo similares a los de los cuentos infantiles que nuestros padres nos leían antes de dormir. Entonces y ahora, los niños quieren escuchar, con las mismas palabras y en el mismo orden, las vicisitudes de la trama argumental. La repetición está en la base del goce (y del saber) de quien lo escucha. Con su carácter enciclopédico, la película de Cameron diseña unas estrategias narrativas en las que el cine de género es intertexto obligado: películas de aventuras en la selva (King Solomon Mines, Compton Bennet y Andrew Marton 1950) con elementos extraídos de Jurassic Park (Steven Spielberg 1993); dragones voladores como en The Lord of the Rings (Peter Jackson 2001); torneos medievales (Knights of the Round Table, Richard Thorpe 1953)... El ayer y hoy de los géneros y sus continuas reformulaciones en el cine de Hollywood adquieren aquí protagonismo estelar. Puede que los detractores de Avatar tengan razón cuando le recriminan su previsibilidad, pero no la tienen en su valoración negativa de la misma: el largo duelo final entre el villano coronel Quaritch (Stephen Lang) y Jake Sully (Sam Worthington) es algo fervientemente deseado por el espectador y forma parte de las estructuras predictivas de la narración. Igualmente, en el clásico western de Robert Aldrich The Last Sunset (1961) toda la progresión dramática de la historia estaba abocada al enfrentamiento entre O’Malley (Kirk Douglas) y el sheriff Stribling (Rock Hudson); la inteligencia del guionista (Dalton Trumbo) introdujo, además, una vuelta de tuerca adicional a la emoción de aquel instante, directamente heredada de la tragedia griega.

En Avatar, el sujeto de la enunciación está atrapado como protagonista de su enunciado y es mediante un soberano acto de poder del meganarrador –el demiurgo creador de la historia– como asistimos a la ceremonia de su cambio de identidad: de humano, Jake pasa a ser un Na’vi y su primera frase en dicho proceso de transmutación –“I see you”– tiene algo de ese “aprender a ver en lugar de mirar” con el que Bertold Brecht cerraba La resistible ascensión de Arturo Ui. Decía Borges que el amor nos hace ver al otro como lo ve la divinidad. En su renuncia al avatar humano, Jake, además de “quedarse con la chica”, alcanza esa dimensión profunda de la mirada que sus depredadores prójimos de la Tierra han perdido.

El film de Cameron construye una cosmogonía coherente que, por el hecho mismo de serlo, hace resonar el mito en las intemperancias de la historia. La destrucción del Árbol del Hogar (Home Tree) –que el doblaje castellano maltraduce y desvirtúa, litúrgicamente, como Árbol de las Almas– con la que los invasores humanos pretenden acceder al yacimiento del preciado mineral unobtanio (el auténtico motivo de la invasión del planeta Pandora) es la principal metáfora del film. El budismo zen posee un concepto idéntico del Árbol, memoria ancestral y colectiva de la tribu y, como dice Jordi Costa en el ya citado número de Cahiers du Cinéma España (p.31), es ni más ni menos que “... la justificación científica de la conexión espiritual entre los Na’vi”. Al respecto, resulta significativo que el modelo de mujer científica propuesto (la doctora Grace Augustine, magistralmente interpretada por Sigourney Weaver) tenga, por el mero hecho de ser bióloga, un carácter eminentemente social, cercano al espectador, puesto que nada de los seres vivos le resulta ajeno…." (continua leyéndolo de la fuente)